Foto: Ĝentileco Naturhistorisches Museum

La ur skulptaĵo de arthistorio, ĉi tiu eta statueto mezuranta iom pli ol kvar colojn en alteco estis malkovrita en Aŭstrio en 1908. Neniu scias, kian funkcion ĝi servis, sed diveno variis de fekundeca diino ĝis masturbado. Kelkaj akademiuloj sugestas ke ĝi eble estis memportreto farita fare de virino. Ĝi estas la plej fama el multaj tiaj objektoj datiĝantaj de la Malnova Ŝtonepoko.

Foto: Ĝentileco CC/Wiki Media/Philip Pikart

Ĉi tiu portreto estis simbolo de ina beleco ekde kiam ĝi unue estis eltrovita en 1912 ene de la ruinoj de Amarna, la ĉefurbo konstruita de la plej polemika faraono de la antikva egipta historio: Aĥnaton. La vivo de lia reĝino, Nefertiti, estas io de mistero: Oni opinias, ke ŝi regis kiel Faraono por tempo post la morto de Aĥnaton—aŭ pli verŝajne, kiel la kunreganto de la Knaba Reĝo Tutanĥamono. Iu egiptologo kredas ke ŝi estis fakte la patrino de Tut. Tiu stuk-tegita kalkŝtonbusto supozeble estas la manlaboro de Thutmose, la tribunalskulptisto de Aĥnaton.

Foto: Ĝentileco CC/Wikimedia Commons/Maros M raz

Malkovrita en 1974, la Terracotta Army estas enorma deponejo de argilaj statuoj entombigitaj en tri masivaj fosaĵoj proksime de la tombo de Shi Huang, la unua Imperiestro de Ĉinio, kiu mortis en 210 a.K. Intencita por protekti lin en la postvivo, la armeo laŭ kelkaj taksoj nombras pli ol 8,000 soldatojn kune kun 670 ĉevaloj kaj 130 ĉaroj. Ĉiu estas vivgranda, kvankam fakta alteco varias laŭ armea rango.

Foto: Ĝentileco CC/Wiki Media/LivioAndronico

Eble la plej fama skulptaĵo de romia antikvo,Laokoono kaj Liaj Filojestis origine eltrovita en Romo en 1506 kaj proponita al Vatikano, kie ĝi loĝas ĝis hodiaŭ. Ĝi estas bazita sur la mito de troja pastro mortigita kune kun liaj filoj fare de marserpentoj senditaj fare de la mardio Pozidono kiel venĝo por la provo de Laokoono malkaŝi la ruzon de la Troja Ĉevalo. Origine instalita en la palaco de imperiestro Tito, tiu vivgranda metafora grupiĝo, atribuita al triopo de grekaj skulptistoj de la Insulo Rodiso, estas senrivala kiel studo de homa sufero.

Foto: Ĝentileco CC/Wikimedia/Livioandronico2013

Unu el la plej ikonecaj verkoj en la tuta arthistorio, Davido de Mikelanĝelo havis siajn originojn en pli granda projekto por ornami la murapogilojn de la granda katedralo de Florenco, la Duomo, kun grupo de figuroj prenitaj de la Malnova Testamento. LaDavidoestis unu, kaj estis fakte komencita en 1464 fare de Agostino di Duccio. Dum la venontaj du jaroj, Agostino sukcesis malglatigi parton de la grandega bloko de marmoro elhakita el la fama ŝtonminejo en Kararo antaŭ halto en 1466. (Neniu scias kial.) Alia artisto prenis la malstreĉon, sed ankaŭ li nur laboris pri ĝi mallonge. La marmoro restis netuŝita dum la venontaj 25 jaroj, ĝis Mikelanĝelo rekomencis ĉizi ĝin en 1501. Li estis 26 tiutempe. Finite, la Davido pezis ses tunojn, kio signifas, ke ĝi ne povus esti levita al la tegmento de la katedralo. Anstataŭe, ĝi estis metita sur ekranon tuj ekstere al la enirejo al la Palazzo Vecchio, la urbodomo de Florenco. La figuro, unu el la plej puraj distiladoj de la altrenesanca stilo, tuj estis akceptita de la florentina publiko kiel simbolo de la propra rezisto de la urboŝtato kontraŭ la potencoj aranĝitaj kontraŭ ĝi. En 1873, laDavidoestis proponita al Accademia Gallery, kaj kopio estis instalita en sia origina loko.

Foto: Ĝentileco CC/Wiki Media/Alvesgaspar

Agnoskita kiel kreinto de la altromia baroka stilo, Gian Lorenzo Bernini kreis ĉi tiun ĉefverkon por kapelo en la Preĝejo de Santa Maria della Vittoria. La Baroko estis nesolveble ligita al la Kontraŭreformacio tra kiu la Romkatolika Eklezio provis bremsi la tajdon de Protestantismo ŝprucanta trans 17-ajarcenta Eŭropo. Artaĵoj kiel tiu de Bernini estis parto de la programo por reaserti Papan dogmon, bone servite ĉi tie fare de la genio de Bernini por imbui religiajn scenojn kun dramecaj rakontoj.Ekstazoestas ekzemplo: Ĝia temo—sankta Tereza de Ávila, hispana karmelita monaĥino kaj mistikulo, kiu skribis pri ŝia renkonto kun anĝelo—estas prezentita ĝuste kiam la anĝelo estas enŝovanta sagon en ŝian koron.EkstazoLa erotikaj nuancoj de ' estas nekonfuzeblaj, plej evidente en la orgasma esprimo de la monaĥino kaj la tordiĝanta ŝtofo envolvanta ambaŭ figurojn. Arkitekto kiel ĉio kiel artisto, Bernini ankaŭ dizajnis la scenaron de la Kapelo en marmoro, stuko kaj farbo.

Foto: Ĝentileco La Metropola Muzeo de Arto/Fletcher Fund

Itala artisto Antonio Canova (1757-1822) estas konsiderita kiel la plej granda skulptisto de la 18-a jarcento. Lia laboro karakterizis la novklasikan stilon, kiel vi povas vidi en lia interpretado en marmoro de la greka mita heroo Perseo. Canova fakte faris du versiojn de la peco: Unu loĝas ĉe la Vatikano en Romo, dum la alia staras en la Eŭropa Skulptaĵo-Tribunalo de la Metropola Muzeo de Arto.

Foto: La Metropola Muzeo de Arto

Dum impresionisma majstro Edgar Degas estas plej konata kiel farbisto, li ankaŭ laboris en skulptaĵo, produktante kio estis verŝajne la plej radikala fortostreĉo de lia verko. Degas formisLa Malgranda Dekkvarjara Dancistoel vakso (el kiu post lia morto en 1917 estis gisitaj postaj bronzaj kopioj), sed la fakto ke Degas vestis sian samnoman temon en fakta baletkostumo (kompleta kun korsaĵo, tutuo kaj pantofloj) kaj peruko el reala hararo kaŭzis sensacion kiamDancistodebutis ĉe la Sesa Impresionisma Ekspozicio de 1881 en Parizo. Degas elektis kovri la plej multajn el siaj ornamaĵoj en vakso por egali la reston de la trajtoj de knabino, sed li konservis la tutuon, same kiel rubandon ligantan ŝian hararon, kiel ili estis, igante la figuron unu el la unuaj ekzemploj de trovita-objekto. arto.Dancistoestis la nura skulptaĵo kiun Degas elmontris en sia vivo; post lia morto, proksimume 156 pliaj ekzemploj estis trovitaj daŭraj en lia studio.

Foto: Ĝentileco de Filadelfia Muzeo de Arto

Dum la plej multaj homoj asocias la grandan francan skulptiston Auguste Rodin kunLa Pensulo, tiu ensemblo festanta okazaĵon dum la Centjara Milito (1337-1453) inter Britio kaj Francio estas pli grava al la historio de skulptaĵo. Komisiite por parko en la grandurbo de Calais (kie jarlonga sieĝo de la angloj en 1346 estis ĉesigita kiam ses urbaj aĝestroj ofertis sin por ekzekuto en interŝanĝo por ŝpari la populacion),La Burgerojevitis la formaton tipan por monumentoj tiutempe: Anstataŭ figuroj izolitaj aŭ amasigitaj en piramidon sur alta piedestalo, Rodin kunvenis siajn vivgrandajn temojn rekte sur la tero, nivele kun la spektanto. Tiu radikala movo al realismo rompis kun la heroa traktado kutime aljuĝita tiajn subĉielajn verkojn. KunLa Burgeroj, Rodin prenis unu el la unuaj paŝoj direkte al moderna skulptaĵo.

Foto: Ĝentileco CC/Flickr/Wally Gobetz

En 1912, Picasso kreis kartonan makketon de peco kiu havus enorman efikon al 20-ajarcenta arto. Ankaŭ en la kolekto de MoMA, ĝi prezentis gitaron, temon Picasso ofte esploris en pentraĵo kaj glumozaiko, kaj en multaj rilatoj,Gitarotransdonis la tranĉo- kaj alglui teknikojn de du dimensioj al tri. Ĝi faris same por Kubismo, ankaŭ, kunvenante platajn formojn por krei multfacetan formon kun kaj profundo kaj volumeno. La novigado de Picasso devis eviti la konvencian ĉizadon kaj modeligadon de skulptaĵo el solida maso. Anstataŭe,Gitaroestis kunligita kiel strukturo. Ĉi tiu ideo resonus de rusa Konstruismo ĝis Minimalismo kaj pretere. Du jarojn post fari laGitaroen kartono, Picasso kreis ĉi tiun version en tranĉita stano

Foto: La Metropola Muzeo de Arto

De ĝiaj radikalaj komencoj ĝis sia fina faŝisma enkarniĝo, Itala Futurismo ŝokis la mondon, sed neniu ununura verko ekzempligis la absolutan deliro de la movado ol tiu skulptaĵo de unu el ĝiaj gvidaj lumoj: Umberto Boccioni. Komencante kiel farbisto, Boccioni turnis al laboro en tri dimensioj post ekskurseto al Parizo (1913) en kiu li turneis la studiojn de pluraj avangardaj skulptistoj de la periodo, kiel ekzemple Constantin Brancusi, Raymond Duchamp-Villon kaj Alexander Archipenko. Boccioni sintezis iliajn ideojn en ĉi tiun dinamikan majstraĵon, kiu prezentas paŝantan figuron metitan en "sinteza kontinueco" de moviĝo kiel Boccioni priskribis ĝin. La peco estis origine kreita en gipso kaj ne estis gisita en sia konata bronza versio ĝis 1931, bone post la morto de la artisto en 1916 kiel membro de itala artileriregimento dum 1-a Mondmilito.

Foto: Ĝentileco CC/Flickr/Steve Guttman NYC

Naskita en Rumanio, Brancusi estis unu el la plej gravaj skulptistoj de frua 20-a-jarcenta modernismo - kaj efektive, unu el la plej gravaj figuroj en la tuta historio de skulptaĵo. Speco de pra-minimuma, Brancusi prenis formojn de naturo kaj fluliniigis ilin en abstraktajn reprezentadojn. Lia stilo estis influita per la popolarto de lia patrujo, kiu ofte havis viglajn geometriajn padronojn kaj stiligitajn ĉeftemojn. Li ankaŭ faris neniun distingon inter objekto kaj bazo, traktante ilin, en certaj kazoj, kiel interŝanĝeblajn komponentojn - aliro kiu reprezentis decidan rompon kun skulptaj tradicioj. Ĉi tiu ikoneca peco estas portreto de lia modelo kaj amanto, Margit Pogány, hungara artstudanto kiun li renkontis en Parizo en 1910. La unua ripeto estis ĉizita en marmoro, sekvita per gipsokopio el kiu tiu bronzo estis farita. La gipso mem estis ekspoziciita en New York ĉe la legenda Armory Show de 1913, kie kritikistoj mokis kaj pilkoris ĝin. Sed ĝi ankaŭ estis la plej reproduktita peco en la spektaklo. Brancusi laboris pri diversaj versioj deS-ino Poganydum proksimume 20 jaroj.

Foto: Ĝentileco La Muzeo de Moderna Arto

Bicikla Radoestas konsiderita la unua el la revoluciaj readymades de Duchamp. Tamen, kiam li kompletigis la pecon en sia pariza studio, li vere havis neniun ideon kiel nomi ĝin. "Mi havis la feliĉan ideon fiksi bicikloradon al kuireja tabureto kaj rigardi ĝin turniĝi," Duchamp dirus poste. Necesis ekskurseto de 1915 al New York, kaj eksponiĝo al la vasta produktado de la grandurbo de fabrik-konstruitaj varoj, por Duchamp por elpensi la pretan esprimon. Pli grave, li komencis vidi ke fari arton en la tradicia, manfarita maniero ŝajnis sencela en la Industria Epoko. Kial ĝeni, li postulis, kiam vaste haveblaj fabrikitaj aĵoj povus fari la laboron. Por Duchamp, la ideo malantaŭ la arto estis pli grava ol kiel ĝi estis farita. Ĉi tiu nocio—eble la unua reala ekzemplo de Koncepta Arto—tute transformus arthistorion antaŭen. Tre kiel ordinara hejma objekto, tamen, la originaloBicikla Radone pluvivis: Ĉi tiu versio estas fakte kopio originanta de 1951.

Foto: Whitney Muzeo de Amerika Arto, © 2019 Calder Foundation, Novjorko/Artists Rights Society (ARS), Novjorko

Kara fiksaĵo de la permanenta kolekto de la Whitney Museum,La Cirko de Calderdistilas la ludeman esencon kiun Alexander Calder (1898–1976) alportis kiel artisto kiu helpis formi 20-an-skulptaĵon.Cirko, kiu estis kreita dum la tempo de la artisto en Parizo, estis malpli abstrakta ol liaj pendantaj "poŝtelefonoj", sed laŭ ĝia propra maniero, ĝi estis same kinetika: Farita ĉefe el drato kaj ligno,Cirkofunkciis kiel la ĉefornamaĵo por improvizaj prezentoj, en kiuj Calder moviĝis ĉirkaŭ diversaj figuroj prezentantaj kontorsionistojn, glavoglutantojn, leonistojn, ktp., kiel diecan ringmastro.

Foto: Ĝentileco La Muzeo J. Paul Getty

Kiel farbisto kaj tapiŝodizajnisto same kiel skulptisto, franca artisto Aristide Maillol (1861-1944) povus esti plej bone priskribita kiel moderna Nov-klasikisto kiu metis flulinion, 20-ajarcentan spinon sur tradician greko-romian statuaron. Li ankaŭ povus esti priskribita kiel radikala konservativulo, kvankam devus esti memorite ke eĉ avangardaj samtempuloj kiel Picasso produktis verkojn en adaptado de novklasika stilo post 1-a Mondmilito. La temo de Maillol estis la ina nudo, kaj enLa Aero, li kreis kontraston inter la materia maso de sia subjekto, kaj la maniero kiel ŝi ŝajnas flosi en spaco - balancante, kvazaŭ, obstinan fizikecon kun evanesca ĉeesto.

Foto: Ĝentileco CC/Flickr/C-Monster

Japana artisto kiu laboras en multoblaj mediumoj, Kusama venis al Novjorko en 1957 revenante al Japanio en 1972. Intertempe, ŝi establis sin kiel gravan figuron de la urbocentra sceno, unu kies arto tuŝis multajn bazojn, inkluzive de Pop Art, Minimalism. kaj Efikeca Arto. Kiel virina artisto kiu ofte rilatis al ina sekseco, ŝi ankaŭ estis antaŭulo de Feminist Art. La laboro de Kusama ofte estas karakterizita per halucinogenaj ŝablonoj kaj ripetoj de formoj, tendenco radikita en certaj psikologiaj kondiĉoj - halucinoj, OCD - ŝi suferis ekde infanaĝo. Ĉiuj ĉi tiuj aspektoj de la arto kaj vivo de Kusuma estas reflektitaj en ĉi tiu verko, en kiu ordinara, remburita facilseĝo estas nervoze subsumita per plagsimila eksplodo de faligaj elstaraĵoj faritaj el kudrita ŝtofo.

Foto: Whitney Muzeo de Amerika Arto, Novjorko, © 2019 Estate of Marisol/Albright-Knox Art Gallery/Artists Rights Society (ARS), Novjorko

Konata simple sub sia antaŭnomo, Marisol Escobar (1930-2016) naskiĝis en Parizo de venezuelaj gepatroj. Kiel artisto, ŝi iĝis rilata al Pop Art kaj pli posta Op Art, kvankam stile, ŝi apartenis al neniu grupo. Anstataŭe, ŝi kreis metaforajn scenojn kiuj estis signifitaj kiel feminismaj satiroj de seksroloj, famulo kaj riĉaĵo. EnVirinoj kaj Hundoŝi akceptas la objektivigon de virinoj, kaj la manieron kiel viraj truditaj normoj de virineco estas utiligitaj por devigi ilin konformiĝi.

Foto: Ĝentileco CC/Flickr/Rocor

The Brillo Box estas eble la plej konata el serio de skulptaj verkoj kiujn Warhol kreis meze de la 60-aj jaroj, kiuj efike prenis lian enketon de popkulturo en tri dimensiojn. Fidela al la nomo kiun Warhol donis al sia studio—la Fabriko—la artisto dungis ĉarpentistojn por labori specon de muntŝnuro, najlante kune lignajn skatolojn en formo de kartonoj por diversaj produktoj, inkluzive de Heinz Ketchup, Kellogg's Corn Flakes kaj Campbell's Soup, kiel nu Brillo sapokusenetoj. Li tiam pentris ĉiun keston koloron egalantan la originalon (blanka koncerne Brillo) antaŭ aldonado de la produktnomo kaj emblemo en serigrafio. Kreitaj en multobloj, la kestoj ofte estis montritaj en grandaj stakoj, efike turnante kian ajn galerion ili estis en altkultura faksimilo de stokejo. Ilia formo kaj seria produktado eble estis kapjeso al - aŭ parodio de - la tiama ĝermanta Minimalist-stilo. Sed la vera punkto deBrilo Skatoloestas kiel ĝia proksima aproksimado al la realaĵo subfosas artajn konvenciojn, per implicado ke ekzistas neniu reala diferenco inter fabrikitaj varoj kaj laboro de la studio de artisto.

Foto: Ĝentileco CC/Flickr/Esther Westerveld

La nomo de Donald Judd estas sinonima kun Minimal Art, la mez-'60-aj jaroj movado kiu distilis la raciisman streĉon de modernismo al nuraj havendaĵoj. Por Judd, skulptaĵo signifis prononci la konkretan ĉeeston de la laboro en spaco. Ĉi tiu ideo estis priskribita per la esprimo, "specifa objekto", kaj dum aliaj Minimalistoj akceptis ĝin, Judd verŝajne donis al la ideo ĝian plej puran esprimon adoptante la keston kiel sian subskribformon. Kiel Warhol, li produktis ilin kiel ripetantajn unuojn, uzante materialojn kaj metodojn pruntitajn de industria elpensaĵo. Male al la supujoj kaj Marilyns de Warhol, la arto de Judd rilatis al nenio ekster si mem. Liaj "stakoj", estas inter liaj plej konataj pecoj. Ĉiu konsistas el grupo de idente malprofundaj skatoloj faritaj el galvanizita lado, elstarante de la muro por krei kolonon de egale interspacigitaj elementoj. Sed Judd, kiu komencis kiel pentristo, estis same interesita pri koloro kaj teksturo kiel li estis pri formo, kiel vidite ĉi tie per verd-nuanca aŭtokorpa lako aplikita al la antaŭa vizaĝo de ĉiu skatolo. La interagado de Judd de koloro kaj materialo donasSentitola (Stako)fastiga eleganteco, kiu mildigas ĝian abstraktan absolutismon.

Foto: Ĝentileco CC/Flickr/Rocor

Kiel Benglis, Hesse estis virina artisto kiu filtris Postminimalism tra verŝajne feminisma prismo. Judino kiu fuĝis de Nazia Germanio kiel infano, ŝi esploris organikajn formojn, kreante pecojn en industria vitrofibro, latekso kaj ŝnuro kiuj elvokis haŭton aŭ karnon, genitalojn kaj aliajn partojn de la korpo. Konsiderante ŝia fono, estas tente trovi subfluon de traŭmato aŭ angoro en verkoj kiel ĉi tiu.

Foto: Ĝentileco La Muzeo de Moderna Arto

Sekvante Judd kaj Flavin, grupo de artistoj foriris de la estetiko de Minimalism de puraj linioj. Kiel parto de ĉi tiu Postminimalista generacio, Richard Serra metis la koncepton de la specifa objekto sur steroidojn, vaste pligrandigante ĝian skalon kaj pezon, kaj farante la leĝojn de gravito integraj al la ideo. Li kreis malfortikajn ekvilibrajn agojn de ŝtalo aŭ plumboplatoj kaj pipoj pezantaj en la tunoj, kiuj havis la efikon de aldonado de sento de minaco al la laboro. (Dum okazoj, rigistoj instalantaj Serra pecojn estis mortigitaj aŭ kripligitaj kiam la laboro hazarde kolapsis. ) En la lastaj jardekoj, la laboro de Serra adoptis kurblinian rafinadon kiu igis ĝin tre populara, sed en la frua irado, funkcias kiel One Ton Prop (Domo). de Kartoj), kiu havas kvar plumboplatojn klinitaj kune, komunikis liajn zorgojn kun brutala rekteco.

Foto: Ĝentileco CC/Wikimedia Commons/Soren.harward/Robert Smithson

Sekvante la ĝeneralan kontraŭkulturan tendencon dum la 1960-aj jaroj kaj 1970-aj jaroj, artistoj komencis ribeli kontraŭ la komercismo de la galeriomondo, evoluigante radikale novajn artajn formojn kiel terremparoj. Ankaŭ konata kiel terarto, la gvida figuro de la ĝenro estis Robert Smithson (1938-1973), kiu, kune kun artistoj kiel ekzemple Michael Heizer, Walter De Maria kaj James Turrel, enriskiĝis en la dezertojn de la Okcidenta Usono por krei monumentajn verkojn kiuj agis koncerte kun sia ĉirkaŭaĵo. Tiu ejo-specifa aliro, kiel ĝi estis nomita, ofte utiligis materialojn prenitajn rekte de la pejzaĝo. Tia estas la kazo kun tiu de SmithsonSpirala Jeto, kiu elstaras en la Granda Sala Lago de Utaho de Rozel Point sur la nordorienta bordo de la lago. Farita el koto, salkristaloj kaj bazalto ĉerpita surloke,Spiral Jetty mezuroj1,500 je 15 futoj. Ĝi estis subakvigita sub la lago dum jardekoj ĝis arido en la fruaj 2000-aj jaroj alportis ĝin al la surfaco denove. En 2017,Spirala Jetoestis nomita la oficiala arto de Utaho.

Foto: Ĝentileco CC/Wikimedia Commons/FLICKR/Pierre Metivier

La signaturverko de la franc-naskita artisto,Araneoestis kreita meze de la 1990-aj jaroj kiam Bourgeois (1911-2010) estis jam en ŝiaj okdekaj jaroj. Ĝi ekzistas en multaj versioj de ŝanĝiĝanta skalo, inkluzive de kelkaj kiuj estas monumentaj.Araneoestas celita kiel omaĝo al la patrino de la artisto, tapiŝrestarigisto (tial la aludo al la tendenco de la araĥnido por ŝpini retojn).

Shutterstock

Gajninto de la prestiĝa Turner Prize en 1994, Antony Gormley estas unu el la plej famkonataj nuntempaj skulptistoj en la UK, sed li ankaŭ estas konata tutmonde pro sia unika konsidero al figura arto, unu en kiu baziĝas larĝaj varioj en skalo kaj stilo, plejparte, sur la sama ŝablono: Rolantaro de la propra korpo de la artisto. Tio veras pri ĉi tiu enorma flugilhava monumento situanta proksime de la urbo Gateshead en nordorienta Anglio. Situante laŭ grava aŭtovojo,Anĝeloŝvebas ĝis 66 futoj en alteco kaj ampleksas 177 futojn en larĝo de flugilpinto ĝis flugilpinto. Laŭ la Gormley, la laboro estas intencita kiel speco de simbola signo inter la industria pasinteco de Britio (la skulptaĵo situas en la karbolando de Anglio, la koro de la Industria revolucio) kaj ĝia postindustria estonteco.

Ĝentileco CC/Flickr/Richard Howe

Ame nomita "La Fabo" fare de Ĉikagoanoj pro ĝia fleksita elipsoida formo,Nuba Pordego, la publika arta ĉefornamaĵo de Anish Kapoor por la Jarmila Parko de la Dua Urbo, estas kaj artaĵo kaj arkitekturo, disponigante Instagram-pretan arĉpordon por dimanĉaj promenantoj kaj aliaj vizitantoj al la parko. Fabrikita el spegula ŝtalo,Nuba PordegoLa amuz-doma reflektiveco kaj grandskala igas ĝin la plej konata peco de Kapoor.

Ĝentileco la artisto kaj Greene Naftali, New York

La laboro de Rachel Harrison kombinas kompletan formalismon kun lerteco por imbui ŝajne abstraktajn elementojn kun multoblaj signifoj, inkluzive de politikaj. Ŝi furioze pridubas monumentecon kaj la viran prerogativon kiu iras kun ĝi. Harrison kreas la plejparton de ŝiaj skulptaĵoj stakigante kaj aranĝante blokojn aŭ slabojn el Stiroŝaŭmo, antaŭ kovrado de ili en kombinaĵo de cemento kaj pentritaj prosperoj. La ĉerizo supre estas ia trovita objekto, aŭ sola aŭ en kombinaĵo kun aliaj. Ĉefekzemplo estas ĉi tiu manekeno sur longforma, farboŝprucita formo. Portante kabon, kaj malantaŭen-frontan Abraham Lincoln-maskon, la laboro sendas supren la grandhoman teorion de historio kun sia elvoko de la konkerinto de la Antikva Mondo staranta alta sur klaŭnkolora roko..